Dipingere la luce nel paesaggio è un’abilità che sfugge a molti artisti. Uno dei motivi per cui può essere difficile è perché spesso ci concentriamo maggiormente sulla resa del soggetto piuttosto che catturare l’EFFETTO di luci e ombre all’interno del paesaggio. Per prima cosa, assicurati di aver compreso un po’ di terminologia che userò in questa lezione:

1. Tonalità: un colore specifico (come nei colori della “ruota dei colori”… giallo, verde, blu, viola, rosso e arancione e tutti i colori intermedi).
2. Valore o Tono: quanto chiara o scura appare una “tonalità”. (Spesso impariamo questo termine prima in bianco e nero, riferendosi a tutte le sfumature di grigio.)
3. Temperatura: come appare “calda” o “fredda” una “tonalità”. In generale, il lato blu/viola/verde della ruota dei colori è freddo e il lato giallo/arancione/rosso è caldo. Tuttavia, qualsiasi tonalità può apparire più calda o più fredda, a seconda di cosa c’è accanto. In altre parole, la temperatura del colore è sempre relativa!
4. Intensità: quanto brillante/saturato o opaco/grigio appare una “tonalità”.

Referenza fotografica e dipinto completato

In questa scena , vogliamo quindi mettere in evidenza la forte luce di mezzogiorno in una scena di neve.  Dipingere la neve è un ottimo soggetto di studio per apprendere la temperatura del colore,

La miniatura

Nella mio studio in piccolo formato, ho tracciato la posizione esatta per ciascuna delle mie forme semplificate all’interno di una cornice rettangolare proporzionale alle dimensioni della mia carta pastello. (In questo caso, la mia miniatura è 8x10cm e la mia carta pastello è 20x 25cm) Nota che ho dovuto spostare leggermente il posizionamento di alcuni elementi per adattarli alla mia dimensione rettangolare proporzionale. 

 

 

 

Disegno preliminare

Su una carta pastello UART400 o Canson Mi teintes touch grigia,

Ho leggermente abbozzato i contorni per le forme iniziali (usando una matita pastello), posizionando ogni forma dove l’avevo già mappata nella mia miniatura.

 

 

 

 

Block in  strutturato per valore e temperatura.

Ho bloccato in ogni forma usando pastelli duri. (Uso NuPastels; Rembrandts o pastelli duri simili funzioneranno anche.) Uso il lato largo del pastello, trascinando delicatamente ogni forma fino alla forma successiva senza “sovrapporre” insieme i colori vicini.
Colori NuPastel utilizzati:
• 244 Blu Viola
• 254 Viola Giacinto
• 306 Rosa Orchidea
• 212 Arancio Profondo

 

Underpainting

Usando un pennello a setole piatte n. 12, lo intingo con dell’ alcol denaturato e delicatamente lo steso su ogni area, permettendo aree vicine di  gocciolare l’un l’altro. 

Consentire gocciolamenti aiuterà i tuoi bordi sembrano più naturali e meno rigidi!! aspetta 15 minuti per far asciugare

 

 

 

 

 

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SVILUPPO COLORE

Mentre scegli i tuoi colori pastello durante il processo di pittura, prova leggermente ogni colore su una carta prova e poi toccandolo leggermente sulla superficie per controllare il valore, la temperatura e l’intensità. In questo modo, riduci il sovraccarico di pastello nel dispinto facendo tentativi errati  il che si porta rapidamente in un dipinto impasticciato. Quando provi ogni colore, piuttosto che cercare di abbinare esattamente il colore nella foto, confrontalo con i colori vicini e chiediti se cattura l’EFFETTO della luce e ombra in questo particolare paesaggio. 

Dato che questo dipinto fa molto affidamento sulla cattura della luce intensa, ho subito voluto iniziare a posizionare temperature calde accanto a temperature fredde. La mia grande forma scura che rappresenta la massa dell’albero sulla destra aveva già stabilito i miei valori scuri abbastanza vicini ai valori più scuri che saranno necessari, quindi ho iniziato con le forme che appaiono attorno a quella massa.

Nel cielo, ho abbinato un caldo blu-verde con un rosa pesca dello stesso valore. 

Nella lontana collina di alberi, ho abbinato un verde-oro con un viola celeste dello stesso valore, con valori più scuri nella  massa di alberi più vicina.

Continuando ad avanzare verso l’ osservatore, quegli arbusti sono esposti alla luce solare diretta, che richiede una temperatura di colore calda. (Ho usato un beige caldo e sfumature dorate.)

Per ciascuna di queste aree appena menzionate, è importante assicurarsi di selezionare i valori corretti per ciascuna di tali temperature di colore. Si noti che i valori per i contrastanti caldi e freddi nel cielo e nella massa di alberi più distante dovrebbero essere gli stessi, poiché le aree distanti in genere mostrano un valore di contrasto inferiore.
Nelle fasi iniziali, cerco di non preoccuparmi di rendere qualcosa di troppo preciso, ma mi limito a stendere leggermente tratti puliti, concentrandomi su valore, temperatura e intensità.

 

 

La neve

Noterai che il colore della neve illuminata dal sole nella foto di riferimento appare come un bianco piatto. Se dipingessi quest’area del colore esatto che vedo nella foto (ad esempio, prendi un pastello “bianco”), il risultato non catturerebbe l’intensa luce solare che colpisce la neve che ti farebbe desiderare di indossare occhiali da sole. Quindi devo “spingere” la temperatura calda di quella neve illuminata dal sole a una tonalità che si trovi sul lato più caldo della ruota dei colori. In lontananza, come con il cielo e la lontana massa di alberi, il caldo e il freddo (luce solare e ombra) sulla neve dovrebbero essere quasi uguali. Per le lontane aree illuminate dal sole, inizio con una tonalità rosa pesca, leggermente più profonda di valore di quanto sembrerà alla fine. Per le ombre, ho usato un viola che ha lo stesso valore del rosa pesca. Poi ho posizionato delicatamente un giallo limone di valore chiaro sopra il rosa pesca dove la neve riceve un colpo diretto di luce solare… questo dà un contrasto di valore molto chiaro.

 

 

Nelle foto, le ombre nella neve di solito appaiono più scure di quanto dovrebbero essere dipinte. E così noterai nel primo piano verso destra che ho messo nella grande ombra blu un valore un po’ più chiaro di quello che vedo nella foto. Ho usato anche un blu leggermente più caldo qui che tende al turchese. L’ora del giorno di questo particolare paesaggio era appena passato a mezzogiorno e il sole era molto luminoso. Se fosse stato vicino all’alba o al tramonto, lo avrei fatto più “rosa pesca” (e forse un po’ valore più scuro rosa pesca) , e per le parti più chiare della neve illuminata dal sole, avrei potuto usare una tonalità più calda con più arancione piuttosto che giallo limone.  I pastelli Schmincke per questi coloro caldi è l’ideale. A causa del suo morbido e burroso tratto,  si sovrappone ad altri strati pastello facilmente.

 

Per la grande massa di alberi sulla destra, ho nuovamente “spinto” le temperature del colore che vedo nella foto, poiché, come con la neve, la foto non cattura le informazioni di luce solare/ombra di cui ho bisogno. Ho basato le mie scelte di colore caldo/freddo invece su dove colpisce la luce del sole e dove non lo è…questa informazione la posso davvero vedere accuratamente nella foto. Per prima cosa ho inserito un caldo marrone-arancio che ha fornito una temperatura contrastante alla base blu . Da qui, ho lavorato gradualmente con luci calde nelle aree illuminate dal sole (varie sfumature di arancio ruggine e verde oliva) e accenti freddi nelle altre aree con vari gradi di ombra (varie sfumature di blu, viola e verdi freddi). Ho anche aggiunto alcuni accenti del mio rosa pesca e giallo limone per i ciuffi di neve illuminata dal sole sull’albero. 

Fase finale

Con tutti questi tratti all’interno della massa dell’albero, ho variato le dimensioni e i bordi di quei tratti. Infine, noterai che ho ritagliato spazi negativi (o “cielo tra i rami”) di forma e dimensioni diverse nella massa dell’albero e ho usato un paio di matite pastello diverse da posizionare in alcune singole erbe alte selezionate di fronte.

RICORDA: durante tutto il processo di pittura, è molto più importante esaminare costantemente valore, temperatura e intensità (ed effettuare le selezioni corrette per ciascuno di essi!) piuttosto che dedicare tutti i tuoi sforzi al tentativo di rendere esattamente i dettagli e abbinare i colori delle foto.

In questa fase verifica

• se i valori ed i contrasti sono corretti,
• se l’armonia è raggiunta o se invece  occorre fare delle aggiunte di colore
• se il dipinto ha un’unità  e l’idea iniziale è stata conservata o se invece ce la siamo dimenticata durante lo sviluppo
• se la qualità del colore  e dei tratti è sempre buona
• i punti salienti, le luci forti e i dettagli finali

Dimentica il dipinto per qualche giorno e ritorna per un ultima osservazione ed eventuale ritocchi